Pacato Cidadão

2011-04-30T21:06:00.001-03:00

Há aproximadamente uma década, a Internet era o paraíso e nós recebemos muito bem as gifs animadas, as primeiras imagens a dar movimento na web já que a velocidade de conexão tornava impossível ver fotos de melhor resolução, vídeo então nem pensar. O tempo passou, chegou o Flash (bom, exceto para a enjoada família Apple) e aquelas animações foram relegadas às assinaturas nos fóruns e pequenas homenagens a um passado tão recente que é quase presente.

Por isso achei tão agradável ver que alguém recuperou essa velha tecnologia de animação de pequenas sucessões de fotogramas. As gif animadas criadas por Jamie Beck são realmente uma das coisas mais agradáveis que apareceram na rede ultimamente. Suas criações quase parecem atrair-nos a paisagens oníricas e irreais com protagonistas que parecem presos em um átimo temporário sem fim. Com certeza, estas são o melhor exemplo de que as gifs animadas podem chegar a ser uma arte.

Pequena coleção de sensacionais imagens criadas por Jamir Beck:

Fonte: From me to you.

TIPOGRAFIA LÍQUIDA

2011-04-30T17:35:00.000-03:00

Série Au Revoir reúne todo o alfabeto construído em nanquim e água sobre papel

Veja a matéria na íntegra em http://revistatrip.uol.com.br/so-no-site/notas/tipografia-liquida.html

Quando os personagens dos quadrinhos tomaram de assalto as obras de arte

2011-03-06T10:57:00.001-03:00

As histórias em quadrinhos, também conhecidas como 9º arte, apesar de remontar aos tipos de registros pictóricos utilizados pelo homem pré-histórico para representar, por meio de desenhos nas cavernas, as suas crenças e o mundo ao seu redor,tiveram uma importância primordial no último século. A história da arte sequencial levou muitas crianças ao desejo de aprenderem a ler para poder acompanhar do que se tratava a história. Por isso me pareceu muito bacana que alguém tenha tido a idéia de mesclar obras de arte com personagens dos quadrinhos conforme mostrado neste post:

Fonte: Smilorama.

Andrew Myers, o artista que literalmente aparafusa sua arte

2011-03-06T10:55:00.003-03:00

Andrew Myers, um artista baseado na cidade de Laguna Beach, Califórnia (EUA), é, até onde sei, o único no mundo que usa parafusos como meio principal criar arte tridimensional. Ele nem sempre trabalhou com parafusos, a idéia é relativamente recente e surgiu quando trabalhava na restauração de relevos de bronze que descrevem a vida de Santa Catarina em uma igreja . E, uma vez que teve a ideia, mergulhou nisto de cabeça. Parece um conceito esquisito, mas o resultado mostrou ser brilhante.

Ao contrário de outros artistas que criam arte semelhante, Myers não confia em um computador para "pixelar" os seus trabalhos, ele apenas faz uma grade e vai parafusando até certo ponto para conseguir o efeito de profundidade. Ele acha que suas obras são como uma escultura tradicional já que todos os parafusos estão a uma profundidades diferentes. O fundo do retrato é composto de páginas de lista telefônica usadas, normalmente com listagens referentes ao retratado.

Criar estes retratos de parafuso é realmente mais difícil do que parece. Mo primeiro Myers demorou seis meses para completar, porque ele tinha muitas coisas para entender e aprender a como formar a imagem usando os entre seis e dez mil parafusos necessários para completar um quadro que
pode ter um custo de até 35 mil dólares (aproximadamente 58 mil reais).

Clique aqui para ver a galeria.

Fonte: AOL News.

Impressionante arte viva de Vincent van Gogh

2011-03-06T10:54:00.004-03:00

Teria Vincent van Gogh ressuscitado de entre os mortos? Não, acho que não. Mas fiquei em dúvida ao ver esta transformação de James Birkbeck em uma "pintura viva", uma espécie de bodyart. Ele decidiu assumir a imagem de uma figura histórica já que ele mesmo confessa que sempre se achou parecido ao pintor impressionista holandês Vincent van Gogh. Birkbeck usou uma técnica muito parecida ao da pintora Alexa Meade, que já vimos no MDig e da qual eu preparava um outro artigo quando encontrei estas imagens.

Todos sabem que não sou de abusar da inteligência do internauta com posts de apenas uma ou duas imagens, mas fiquei tão impressionado com a arte da transformação de Birkbecker, que penso que mereça ser destacada. Vejam se concordam:

Fonte: James Birkbeck no Flickr

As pinturas hiper-realistas de Denis Petersen

2011-03-06T10:52:00.005-03:00

Denis Peterson é um artista descendente de armênios que mora atualmente em Nova Iorque. Sua incrível arte de hiper-realismo é hoje em dia conhecida ao redor de todo o mundo. Esta sequência de posts artísticos relacionados com a pintura e desenhos realistas, que começou com Paul Lung, Francisco Casas e fecha a trilogia com chave de ouro com as obras de Peterson, foi totalmente ocasional.

Denis Peterson começa o processo de criação tirando uma foto do assunto ou da paisagem, amplia a imagem e captura todos os detalhe possíveis e somente então começa a pintar. Como você deve imaginar, cada quadro leva em torno de um mês para ser finalizado. Por todo este esforço e talento Peterson cobra ao redor de 46 mil dólares (78 mil reais) por cada obra. De modo que ele está "pintando e andando" para os assoberbados críticos de arte clássica e moderna que desmerecem o seu trabalho dizendo que isto é copismo e não arte.

Fonte: Denis Peterson.

A arte com Bic de Francisco Casas

2011-03-06T10:50:00.003-03:00

Há de se espantar com a impressionante técnica de desenho do artista espanhol Juan Francisco Casas, que a princípio se dedicava a obras pictóricas como todos conhecemos, com tinta e pincel. Mas em 2006 decidiu incursionar por um tipo de arte que é bem popular: o desenho com caneta Bic.

Quem é que nunca fez um desenho com esta velha caneta que atire o primeiro teclado. Quase todos, uma vez ou outra, já tentamos dar alguns rabiscos em uma folha de papel. A maioria não consegue fazer nada melhor que um homem palito, já outros tem o dom da coisa e desenham bem, mas posso dizer com certeza que ninguém o faz como Juan Francisco que consegue imprimir um ar hiper-realista a suas obras que ficam mais parecendo fotografias em azul e branco do cotidiano onde transparecem aqueles pequenos momentos de felicidade pura e primitiva. Muito bom!

Fonte: Francisco Casas via Locker18.

2011-03-06T10:45:00.002-03:00

O cara faz desenho da estátua da liberdade e outras coisas usando alguns pedaços de notas de dólar… é muita criatividade e também muito tempo livre.

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Artista cria retratos de celebridades a partir de lixo

2011-03-06T10:42:00.002-03:00

As Spice Girls foram uma das retratadas pelo artista

Há 15 anos, o artista americano Jason Mecier reúne materiais variados para fazer peças incomuns. São retratos de celebridades, atores e cantores feitos com controles remoto, placas eletrônicas, telefones celulares e outros objetos que não tem mais serventia quando chegam ao fim da sua vida útil.

Jason recebe esse objetos de fãs, da família e recolhe até aqueles que sobram em sua casa. Aí é só pensar em alguma personalidade e montar da forma como ele o enxerga. Há uma sutil ironia ao ver os rostos de celebridades em peças cobertas de lixo, já que estamos acostumados a vê-los com tanto glamour em produtos, fotos, outdoors, e comerciais na TV.

E não são só aparelhos eletrônicos, Jason também usa os objetos que os próprios artistas vendem. Por exemplo, um retrato das Spice Girls feito inteiramente de doces e chicletes para criar uma semelhança com o som “grudento” e com os produtos vendidos pelo grupo.

Segundo o artista, seu objetivo é capturar a imagem pública desses ídolos e formar os retratos. “As peças são literalmente construídas a partir do lixo reciclado das celebridades”, ele diz em entrevista a um jornal americano. “O uso de itens doados transforma o processo em dois. É um meio de comunicação em que a imagem é implicitamente permitida, incentivada e alimentada pelo próprio assunto”, completa.

Veja abaixo uma galeria de fotos com as principais obras retiradas do site oficial do artista.

*Via EcoD.

Arte com rolos de papel higiênico

2011-03-06T10:32:00.003-03:00

A artista criou, usando cortes e colagens, cenas do cotidiano no interior de rolos de papel higiênico.

Muito interessante e bem feito!

Fontes:
Bem Legaus!
Chadou Yama

Pinturas clássicas renascentistas "perdem" seus personagens

2011-03-06T10:28:00.000-03:00

O artista madrilenho José Manuel Ballester oferece um enfoque diferente de nove quadros fundamentais da pintura renascentista, ao eliminar pessoas e animais de paisagens criadas por El Bosco e Botticelli, entre outros, na exposição intitulada "Espaços Ocultos", em cartaz em Madri até 23 de outubro. Em fotos sobre papel e tela, Ballester apagou todo ser vivo desenhado por Brueghel, De Lorena, Patinir, Botticelli, Fra Angelico, Vermeer e El Bosco, no que ele considera "uma reconciliação entre o clássico e o contemporâneo". Dessa forma, "O Jardim das Delícias" de El Bosco se transforma em "O Jardim Desabitado", na versão de Ballester. "Esvaziar tudo permite descobrir elementos ocultos", disse o artista em entrevista à Agência Efe.

Confira aqui

A arte cativante de Angela Fraleigh

2010-11-10T14:17:00.001-02:00

Me rendi a arte de Angela Fraleigh. Há algo de subjetivo em suas pinturas, parece que está tentando dizer algo desesperadamente, uma vibração inquietante que convida a reflexão sobre as faces que parecem emergir do meio das tintas.

Remakes modernos de pinturas clássicas

2010-11-10T14:15:00.001-02:00

Remakes de famosos quadros com a cômica presença de elementos do nosso dia a dia ou até de personagens somente conhecidos na internet. Note que algumas mudanças são bem sutis de forma que a primeira vista você pode não consiguir identificá-la.

Fonte: Owl Art

Vogue Patterns (Ou Estampas, Klimt e Steven Meisel)

2010-11-10T14:05:00.001-02:00

Steven Meisel é um fotógrafo norte-americano mundialmente conhecido por anos de trabalho na revista Vogue, além de ter feito as fotos para o livro Sex, da Madonna. Vogue Patterns é o nome desse belíssimo editorial de moda realizado por Meisel, publicado em dezembro de 2007 na Vogue Itália.

O editorial trouxe as modelos Lara Stone, Meghan Collison, Kinga Rajzak, Maryna Linchuk e Hanne-Gaby Odiele num visual pin-up repaginado, cheio de padrões e cores. Mas não é só isso: uma das fotos da modelo Meghan Collison virou um quebra-cabeça de 1000 peças, lançado numa edição limitada e numerada. Cada caixa vinha com um acabamento em pano e era assinada pelo fotógrafo, custando a bagatela de 750 dólares.

Há séculos que eu quero mostrar estas fotos aqui, mas só hoje me lembrei. Foram feitas por Steven Meisel para a Vogue italiana, mostrando as estampas e padronagens que prometiam esquentar a primavera e o verão de 2007. Acho esse editorial primoroso e criativo. E desconfio que ele seja inspirado nas pinturas de Gustave Klimt, que eu mostro lá no final.

GUSTAVE KLIMT, A POSSÍVEL INSPIRAÇÃO:

Máscaras

2010-10-02T19:17:00.001-03:00

Algumas ficaram legais, outras nem tantas... mas fica registrado.

Assim que der coloco fotos melhores.

Van Gogh em tilt-shift

2010-10-02T17:46:00.000-03:00

Tilt-shift é uma técnica de fotografia que transforma cenários reais em simulações de maquetes ou miniaturas, graças a alterações precisas na luz e no foco das imagens. Ao perceber o efeito gerado por essas mudanças, o pessoal do Artcyclopedia decidiu aplicar o princípio às pinturas de Van Gogh.

Manipulando as imagens no Photoshop, sem adicionar ou remover quaisquer elementos, a artista Serena Malyon conferiu às telas um efeito de tridimensionalidade que permite um jeito totalmente novo de observá-las. Confira abaixo:

+ Informações:
Site: Artcyclopedia

Só a arte salva

2010-10-02T17:43:00.000-03:00

À frente da 29ª Bienal de SP, Agnaldo Farias conta como se tornou um dos curadores mais respeitados do país

Publicado em 08 de setembro de 2010

Fernanda Paola

Ele costuma usar a minicesta de basquete que fica encaixada na parte de cima da porta do escritório para fazer arremessos de 3 pontos. A sala é pequena para um monte de coisas que guarda. Centenas de livros de arte e literatura amontoam-se nas prateleiras. Catálogos, flyers e outras muitas lembranças de exposições estão espalhadas em cima da mesa de vidro, coladas nas paredes, e onde mais tiver espaço. O escritório de Agnaldo Farias, que fica em Pinheiros, São Paulo, no primeiro andar de um prédio baixo e sem elevador, é um oásis cultural.

Aos 55 anos, Agnaldo é um dos curadores e críticos de arte mais reconhecidos do Brasil. Mas é como professor que prefere se apresentar. Apesar de acreditar que “nossas universidades estão assentadas em certezas” e que “estamos formando burros”, faz quase 30 anos que ele dá aulas e é, como enfatiza, um professor de primeiro ano vocacional. Hoje, da FAU/USP.

Agnaldo já pensou em ser escritor, mas desistiu ao ler Dostoiévski pela primeira vez. É também apaixonado por música, o que lhe rendeu um emprego aos 15 anos como jornalista na revistaBondinho. Sua primeira crítica foi sobre o disco Live Evil, de Miles Davis. “Eles levavam uma máxima do Frank Zappa, a de que jornalista de rock não sabe escrever, entrevista gente que não sabe falar e escreve para gente que não sabe ler. E eu preenchia todos os requisitos”, conta ele, que também foiroadie dos Novos Baianos e de Hermeto Pascoal, entre outros.

À arquitetura chegou depois, por causa de “Fábula de um Arquiteto”, poema que João Cabral de Melo Neto escreveu em 1966. Nunca exerceu a profissão na prática. Logo já estava dando aula e, sem querer, sendo procurado para escrever sobre artes plásticas. Entre os 13 irmãos vindos de Itajubá, Minas Gerais, Agnaldo Farias é o único a trabalhar com artes.

Como curador, tem carreira extensa. Entre as experiên- cias, estão o MAC e o MAM/RJ (logo após finalizar o doutorado em arquitetura, na FAU/USP). Foi assessor de artes plásticas de Ricardo Ohtake – com quem trabalha hoje no Instituto Tomie Ohtake –, na época em que o mesmo era secretário de Estado da Cultura da São Paulo. Nessa época abriu o Paço das Artes com uma exposição de Nelson Leirner, que foi, em sua opinião, uma das curadorias mais importantes da carreira: “Eu me ajudei ajudando, porque surpreendentemente ele era desconhecido. Tinha um trabalho maravilhoso, mas estava sem galeria”.

Hoje, ao lado de Moacir dos Anjos, assina a curadoria da 29° Bienal de São Paulo, desafio enorme principalmente com a crise pela qual a instituição passa. O tema desta vez será a relação entre arte e política, e para isso os curadores chamaram 148 artistas que foram comissionados para fazer trabalhos novos e exclusivos. Agnaldo falou à CULT sobre Bienal, arte contemporânea, música, literatura e educação.

CULT – Lembra-se de quando teve o primeiro contato com as artes plásticas?
Agnaldo Farias – Eu cheguei às artes plásticas por último, minha relação era com música e com literatura. E depois, na faculdade, tive uma relação muito forte com cinema. Eu fui roadie, trabalhei em show de rock. Fui roadie dos Novos Baianos, fiz show do Hermeto Pascoal, até em um show dos Mutantes trabalhei. Havia uma revista alternativa que era o máximo, a Bondinho, feita por egressos da Veja, como Sérgio de Sousa e Narciso Kalili, que eram brilhantes. O secretário de redação era o Roberto Freire, psicanalista importante e pai de um amigo meu, o Tuco, que é músico. Ele me chamou para escrever na Bondinho, e imediatamente fui para a redação da revista, que eu lia parcialmente, porque era muito complexa para os meus 15 anos. E então Roberto Freire me encomendou uma matéria sobre o disco Live Evil, de Miles Davis. Eles levavam uma máxima do Frank Zappa, a de que jornalista de rock não sabe escrever, entrevista gente que não sabe falar e escreve para gente que não sabe ler. E eu preenchia todos os requisitos.

CULT – E como aconteceu o encontro com a arquitetura?
Agnaldo – Eu tinha um amigo que falava que, se eu gostava tanto de poesia, deveria fazer arquitetura. Aí fui para a arquitetura, mas não tinha a menor ideia do que ela era. Não estava no meu repertório de garoto classe média da Vila Mariana. Fazia-se engenharia, medicina ou direito. Eu entrei em arquitetura por causa de “Fábulas de um Arquiteto”, de João Cabral de Melo Neto. Quando li, pensei que precisava fazer uma profissão que tivesse uma poesia como essa. Foi ótimo porque entrei no movimento estudantil e ganhei know-how de fazer festas.

CULT – Em 1981, você fez sua primeira curadoria, mas de cinema, na 16ª Bienal de São Paulo. Como isso aconteceu?
Agnaldo – Estava formado, entrei no mestrado em história, na Unicamp, e o Walter Zanini [historiador e curador de arte] me procurou para cuidar urgentemente da parte de cinema da Bienal. Isso com 15 dias de antecedência da abertura. Eu nem sabia o que era ser curador. Minha experiência era comprar ingresso, entrar no cinema e assistir aos filmes. Tudo bem que fazia isso bastante. Então, chamei um amigo meu com quem depois abri a editora Iluminuras, o Samuel Leon. A programação foi tão boa que na Bienal seguinte o Zanini me chamou em março.

CULT – Nessa época você já acompanhava a produção de artes plásticas?
Agnaldo – Ainda não. Estava enfiado em São Carlos montando um curso de arquitetura. No curso de arquitetura comecei a dar um curso de artes plásticas, quando um artista conhecido meu encasquetou que eu tinha de escrever sobre ele. Eu escrevi, foi interessante porque descobri que a pessoa que faz não necessariamente sabe falar sobre aquilo que faz. Fiz o texto e tive quase a mesma aflição de quando escrevi sobre Miles Davis. Quem fez o design do texto foi o Ricardo Ohtake [idealizador e coordenador do Instituto Tomie Ohtake], de quem eu virei muito amigo. Outro amigo artista leu e me pediu para escrever sobre ele para a revista judaica Shalom, então a Ester Grinspum [artista plástica] leu e pediu para eu escrever sobre ela, para a revista Galeria. Comecei a escrever sobre artes plásticas para a revista Guia das Artes, mas sem conhecer produções inteiras. Isso em 1987, já tardiamente, com pouco mais de 30 anos. Fui me inteirando do assunto, escrevendo sobre exposições que nunca tinha visto. Os textos só não eram ruins porque eu sempre tive preocupação com a literatura, achava que podia escrever bobagem, mas deveria ser bem escrita. Porque nossa crítica de arte, especialmente nos anos 1980, era muito ruim. Tem uma geração que vem da academia, como eu, que pode ter uma crítica mais densa, mas tem o problema de não saber articular, de fluência no texto.

CULT – Hoje, o espaço dedicado às artes nos jornais diários é cada vez mais reduzido. As revistas de cultura que têm circulação nacional estão desaparecendo. Nesse contexto sombrio, como você avalia o desempenho da crítica?
Agnaldo – Não existe crítica de arte hoje no Brasil – entendendo a crítica como sendo o exercício completamente desassistido de qualquer interesse que não seja o estético. O jornal não está mais interessado nesse tipo de coisa, porque pensa muito mal do seu leitor. A rigor, o jornal no geral é um modo de ganhar dinheiro vendendo publicidade. Então o anúncio interessa mais, a gente sabe disso. O cara está vendendo espaço, mas tem de ter jornal também. Aí vêm as matérias, que são um álibi. Por causa dessa situação, o jornal acabou afastando o crítico. O que aconteceu é que parte da crítica migrou para a academia, o que tem vantagens e desvantagens. O problema do discurso da academia é que é mal escrito e muito cifrado. A outra parte que sai do jornal vai escrever para catálogo. É uma crítica que tem adesão ao trabalho, tem comprometimento. No Brasil transformou-se a crítica em opinião. Quanto mais ofensiva, tanto melhor. Está vendendo o escândalo, a manchete, a polêmica esvaziada. Na arte o mais triste é o Ferreira Gullar, que é um homem admirável, e a gente vê que nitidamente ele não está aparelhado nem interessado em se aparelhar para discutir a produção contemporânea. Então ele fica cobrando dela o que ela não se propõe a dar. Deve-se tomar cuidado com o que acontece hoje. Vai-se achar que repentinamente os artistas são todos idiotas? É claro que nem tudo que se faz hoje vai ficar. Mas há muita inteligência.

CULT – Em 1990, você foi convidado para ser diretor de exposições temporárias do MAC, que deu início à sua carreira de curador de artes.
Agnaldo – De crítico obscuro virei curador. A relação com a arquitetura me ajudou, tinha ideia de espaço, de como se instala uma obra. E fui treinando. Fiquei dois anos lá, saí a convite do Ricardo Ohtake, que na época era secretário de Estado da Cultura, para ser assessor de artes plásticas dele. O Nelson Brissac era assessor de audiovisual, e fizemos o Arte/Cidade. Fiz a retrospectiva do Nelson Leirner, o que foi muito importante pra mim. Eu abri o Paço das Artes, que foi talvez o maior e mais importante trabalho que fiz de curadoria. E de um artista fundamental. Eu me ajudei ajudando, porque surpreendentemente Nelson Leirner era desconhecido. Tinha um trabalho maravilhoso, mas estava sem galeria. E essa exposição ajudou a dar visibilidade a ele. Entre outras coisas, o trabalho de um curador tem a ver com o trabalho de um professor – na medida em que o professor é um novidadeiro, um sujeito que sabe de algumas coisas muito interessantes e que tenta passar isso para o maior número de pessoas possível. O que você faz quando escreve ou quando elege certas pessoas para apresentar é dar visibilidade a uma obra, a uma produção. Tem também outra baliza que é fundamental dentro da minha prática curatorial: não se expõe coisa ruim. Tem de primar pela qualidade.

CULT – Como poderia classificar a arte contemporânea?
Agnaldo – A produção em artes plásticas é muito fecunda. A meu ver, as artes plásticas viraram um entrecruzamento de fronteiras, uma intersecção e uma zona de liberdade que não se vê em talvez nenhuma outra linguagem. Acho, por exemplo, sintomático que um artista como Nuno Ramos tenha vencido o Portugal Telecom e que Apichatpong Weerasethakul [diretor de cinema tailandês] tenha vencido o Festival de Cannes. Porque ambos se definem como artistas plásticos. As artes plásticas viraram lugar de livre experimentação. Então há trabalhos sonoros, olfativos, aromáticos, trabalhos para ser vistos, para ser escutados. Se antes você entrava numa exposição com maior ou menor grau de dificuldade de compreensão, você demorava um dia, na década de 1960, no caso da Bienal de São Paulo. Hoje, menos de três, quatro dias não leva. Pelo número de filmes, de trabalhos conceituais, trabalhos que não se dão a ver com facilidade, muito codificados.

CULT – Inclusive para você?
Agnaldo – Inclusive para mim. Um dos meus anjos da guarda, o Charles Watson, é artista e professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro. Ele organiza grupos, faz turismo específico para visitar museus e ateliês pelo exterior. Ele leva alunos e colegas, como eu. São os meus melhores momentos do ano. Sozinho, sou vagabundo. Com 30 pessoas do lado tendo de discutir o trabalho que estou vendo, trato de ficar mais esperto. É frequente eu entrar num lugar sozinho e ter uma atitude blasé.

CULT – Nos dias de hoje, a presença do curador tornou-se obrigatória e muitos artistas discutem sua eficiência. Afinal, a composição de um curador mal preparado prejudica o trabalho?
Agnaldo – Um curador é igual a uma boa reunião de pauta. Você vai publicar tudo? Não. Mas você assegura o prestígio da revista montando uma pauta criteriosa. Isso é uma curadoria impressa. Tem a ver com dar aula. Não dou texto vagabundo para meus alunos. Eu posso me equivocar, e posso ser um professor mal informado. Isso acontece. Tem picareta em qualquer área. Mas há necessidade de pessoas que deem critérios. Isso é democrático. Em qualquer que seja o ramo, para montar desde um menu até uma boa aula. É coisa de especialista. O curador precisa ter conhecimento sobre a obra e sobre recortes que pode dar a essa obra, que têm de ser suscitados por ela. O mau curador é aquele que pega o ruim de um artista bom, mas que vá ao encontro de uma tese dele. E também existe a falta de critério. Não se pode fazer uma retrospectiva e colocar tudo. Tem artista de que eu gostava mais quando não conhecia tudo. É importante saber, não mostrar. Você pode construir articulações estimulantes, mas tem as muito pobres, gente ruim se apropriando de trabalhos bons, colocando-se à frente da fonte, que são os artistas. O curador é um leitor que está próximo da produção. Você desprezaria um comentário do Antonio Candido sobre seu texto?

CULT – Você foi convidado, junto com Moacir dos Anjos, para fazer a curadoria da 29ª Bienal de São Paulo em um momento em que a instituição enfrenta uma crise complicada. Ficou inseguro em algum momento?
Agnaldo – Claro que sim. Não é uma coisa simples. O desafio era tão grande que num primeiro momento não quis fazer. Na Bienal de 2008, eu fui convidado a enviar uma proposta e não quis. Não acreditava na presidência naquela altura e achava que entrar seria uma fria. Convidaram-me para fazer este ano e aceitei porque era com o Moacir dos Anjos, a única pessoa com quem eu aceitaria fazer.

A Bienal tem uma dubiedade que me interessa, que é uma investigação digna e importante. Como se lida na esfera do espetáculo passando alguma coisa que tenha qualidade? Porque há quem diga que são incompatíveis. O trabalho bombástico, que tenha essa eloquência que a Bienal tem, é incompatível com um trabalho bem-feito, em que existe decantação. E eu não, eu sou do rock e do samba. Estou com Luiz Gonzaga. Quando Gilberto Gil foi falar com ele, acho que movido por preocupações adornianas, levou na cara o seguinte: “Escuta, o que eu faço é para tocar no rádio”.

A Bienal é o único lugar onde existe uma difusão de obras de qualidade do ponto de vista nacional e internacional. Não tem nada com essa magnitude no Brasil, um país que criou leis de incentivo, disparou a criar museus e centros culturais, mas continua uma rota alternativa. Só nos chegam, no geral, exposições de artistas mortos e consagrados e frequentemente fundo de estúdio. Produções menores de artistas maiores.

Nossos museus são eminentemente provincianos. Eles estão ancorados em exposições temporárias, porque seguem a lógica da mídia. Não é a lógica da educação, da formação. Se for museu, tem acervo e coleção. As nossas exposições são ocultas, porque não dá mídia. O Brasil não coleciona arte internacional, nem sequer nacional. Procure por Volpi, Di Cavalcanti, você não acha. Os museus ocultam porque, para ter dinheiro e se manter, precisam de exposições temporárias. Então, a Bienal preenche essa lacuna ainda. Não só no âmbito da difusão, mas também no da produção. Porque, quando você convida o artista, você o comissiona. Nesse momento você é mais do que um difusor, é um centro parceiro na produção. Por exemplo, nós temos um trabalho inédito do Cildo Meirelles. É um trabalho que estava como sonho. Você pode sonhar em pequena escala, mas pode sonhar em grande escala. Agora, se não tem custo para fazer nem espaço para expor, como fica? Uma exposição é essencial para esse processo. É onde o trabalho do artista se realiza.

CULT – Essa Bienal busca traçar uma relação entre arte e política. Como foi realizada essa ideia?
Agnaldo – Estamos muito mal. O Brasil é, em 2010, uma nação exportadora de minério. E agora estamos muito felizes com o pré-sal. Em vez de apostar na inteligência, estamos apostando todas as fichas no extrativismo. Não investimos na inteligência porque não investimos em arte. A arte é o patinho feio das ciências humanas. E as ciências humanas, o patinho feio das ciências. Acho que, se tem uma coisa que salva, é a arte. Deus, eu não estou certo… [risos].

Pensei que precisava contribuir com o processo de expansão da arte. Colocá-la no centro. O professor de arte não pode ser tratado como um marginal. A rigor, o que ele está trazendo é fundamental para todos. Nossas universidades são assentadas em certezas, é uma loucura. Nós estamos formando burros! O burro é um ignorante prepotente. Ignorante todos nós somos, e eu tenho a maior simpatia pelos ignorantes. Primeiro, porque eu sou, e não antipatizo comigo. Sou um professor de primeiro ano vocacional. Aprendi isso com minha amada professora Marilena Chaui, porque eu sentia que ela respeitava a minha ignorância. A mulher despejava uma biblioteca inteira em cima de mim, e eu não me sentia oprimido, me sentia feliz porque tinha uma biblioteca para ler. Só que o burro transforma em mérito sua ignorância. Acho engraçado que as pessoas frequentemente criticam os críticos, que são por certo criticáveis nos seus textos impermeáveis, na opacidade de sua conversa, no quão são cifrados. Mas tem coisa mais cifrada do que a conversa dos economistas? E eles estão nas rádios, isso eu acho sensacional.

CULT – Conte um pouco como se deu a divisão do espaço da Bienal.
Agnaldo – Essa Bienal não podia ser uma Bienal para ser vista, porque política é eminentemente uma ação, um encontro. Vamos criar, então, seis espaços dentro da Bienal, onde haverá todos os tipos de atividade. Os espaços chamam-se terreiros – depois de muita discussão em torno do nome. O terreiro do “Dito, Não Dito, Interdito” fica do lado de fora da Bienal, como uma tribuna para a palavra, qualquer que seja ela, do poeta, a cantada, e de quem quiser falar. É do Kboco e do Roberto Loeb. O espaço “O Outro e Eu Mesmo” Carlos Teixeira desenhou e é o terreiro flexível, do teatro, da dança, da performance, e também de pocket shows. Tem o terreiro “Longe Daqui, Aqui Mesmo”, espaço das ideias e utopias; o terreiro “Eu Sou a Rua”, lugar de palestras e debates; o terreiro “A Pele do Invisível”, que é só de projeções de filmes. E o terreiro da “Lembrança e do Esquecimento”, que é a memória social, coletiva, os monumentos, o que deve ser lembrado, o que foi esquecido.

O que importa é aparafusar todos os pontos e não negligenciar nada. Tudo tem de estar lá por um bom motivo. O espaço é completamente fragmentado, estilhaçado, tem a ver com uma cidade barroca, é cheio de vielas, becos, totalmente heterogêneo.

CULT – Entre as atrações, estão pichadores do coletivo Pixação SP, que, há dois anos, foram responsáveis pela invasão na Bienal e alguns, inclusive, presos. Por que incluir os pichadores na 29ª edição do evento?
Agnaldo – Eles nos procuraram dizendo o seguinte: “A Bienal vai ser sobre arte e política e nosso trabalho é político, queremos discutir com vocês”. Nós também achamos o trabalho deles político, se é artístico não sei. E não estou preocupado em fazer esse julgamento. A proposta foi apresentarmos o trabalho deles como documento. Não existe picho consentido. Eles vão apresentar slideshows e fotos. Eles fazem um trabalho caligráfico, e a caligrafia remonta à discussão do dado mais individual. Alguns deles são brilhantes. De tanto fazer, fazem bem. Como The Clash, que, de tanto tocar, fez tão bem que não era mais punk. Alguns ali são muito respeitados, e eles trocam tags entre si, em folha A4. Vamos encher uma parede com esses tags e cometer a profanação de colocar uma Mira Schendel ao lado, que são aquelas nuvens de palavras. Se eles conhecem Mira Schendel não interessa, mas importa colocar os caras juntos e mostrar certas associações, e não queremos dizer nada com isso.

O espaço da Bienal é de aproximações, museu é outro papo. O nosso compromisso é com as fontes e com quem é efetivamente radical dentro desse processo. Por exemplo, não traria nunca Romero Britto, porque não é artista, é outra coisa. E aí existe uma divisão, você não pode convidar para a mesma festa. Um mau artista não melhora com o contato com o bom artista. E o bom artista não ganha com a presença de um mau artista. E você engana o público. Estamos tentando fazer o que o mercado não faz, que é mostrar o que está fora do circuito.

CULT – Acha que pode acontecer novamente de os pichadores interferirem nos trabalhos de outros artistas?
Agnaldo – Acho que sim e dá medo. Normal. Eles podem pichar o trabalho de alguém, mas a culpa não é nossa. Nossa cidade é uma sociedade terrível, violenta, mesquinha. Quer dizer, eu não quero ter meu carro riscado. Tenho um Astra duas portas, o que deu para comprar. Mas ele pode ser riscado. Esses caras que andam com esses carrões pretos, reluzentes, acham que o custo disso é zero. Eles podem ficar furiosos, mas têm de entender que faz parte do jogo. Esse carro é uma agressão, é ostensivo. Você quer ter uma casa branca com um muro reluzente e não quer que seja pichado? Diria que o custo é muito baixo. Se você for assaltado, ainda está dentro desse jogo e, se você for assassinado, também está dentro desse jogo. A gente está produzindo isso. Quer o quê?

Poderíamos fazer uma exposição sobre pintura, mas a Bienal não precisa fazer isso. Tem de ir ao limite. Se ela não der conta, fecha as portas. A arte é alguma coisa que você produz e não tem nenhum desejo dela preteritamente. Você não acorda querendo ouvir uma música que nunca ouviu. A arte se faz necessária.

29ª Bienal de São Paulo
De 25/9 a 12/12, Parque do Ibirapuera, portão 3,
Pavilhão Ciccillo Matarazzo, entrada franca

Retirado de http://revistacult.uol.com.br/home/2010/09/so-a-arte-salva/

Arte com bonecas

2010-09-09T08:42:00.003-03:00

O trabalho artístico é da Marina Bychkova. A artista resolveu criar bonecos com apenas 10 anos de idade e desde lá faz sucesso com a característica dos mesmos. O trabalho aqui exposto está disponível emhttp://www.enchanteddoll.com/index.html.

Arte com pregos

2010-09-09T08:42:00.000-03:00

Esse artista árabe faz um interessante trabalho com pregos. Segue as fotos do processo artistico até a conclusão da obra.

2010-08-13T08:55:00.003-03:00

O artista plástico Junior Jacquet é o responsável por estas obras de arte.

Elas são feitas a partir de rolos de papel higiênico e muita criatividade.

Fonte: Dormiu

2010-08-13T08:55:00.000-03:00

A artista criou, usando cortes e colagens, cenas do cotidiano no interior de rolos de papel higiênico.

Muito interessante e bem feito!

Fontes:
Bem Legaus!
Chadou Yama

2010-07-08T15:19:00.000-03:00

Arte em papel

2010-07-07T10:13:00.002-03:00

Impressionante esse trabalho todo produzido com papel. Esses trabalhos são do artista Don Lucho. O artista tem um jeito curioso de misturar 2d com 3d, ele traduz as formas que enxerga no dia a dia para o desenho. As suas esculturas apareceram nas ruas de Santiago, no Chile, na forma de carros acidentados e aviões. Todo o papel utilizado nesses trabalhos é reciclado.

Fonte: http://escoladecriacao.espm.br/blog/

Artista trabalha com tampinhas de garrafas

2010-07-07T10:02:00.001-03:00

Upcycling é uma forma de transformar nosso lixo em outras coisas que podem ser usadas e apreciadas novamente.

Essas esculturas foram feitas por Rick Ladd. A complexidade das tampinhas fazem uma cadeira comum e espelho se transformarem em trabalhos excelentes de arte.

Ele reciclou milhares de tampinhas do seu bar local em diversos móveis artísticos.

Esses são peixes mosaicos feitos por John T. Unger

Esse mosaico feito por John T. Unger leva a várias interpretações: carregar o peso do lixo nas costas, ser esmagado pelo alcoolismo, desejar um drinque no mundo inteiro.

A Essência de Klint

2010-06-24T09:11:00.000-03:00

Title: La esencia de Klimt
Magazine: Ae

Photographer- Moises González

Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca (www.kattaca.com )

Make up artist- Yurema Villa (www.yuremavilla.es )
Hairdresser- Raul Zarco

Mike Stilkey - Arte com livros

2010-06-22T08:38:00.000-03:00

Você pode gostar muito de ler. Talvez já tenha até pensado em escrever um livro. Mas dificilmente imaginou fazer o que esse cara faz. Mike Stilkey é um artista estadunidense que usa livros para produzir obras de arte que ficam entre a pintura e a escultura. Seu belo trabalho já lhe rendeu exposições em vários países e reportagens em jornais importantes, e hoje você tem a oportunidade de conferir aqui um pouco desta arte.

São personagem misteriosos, melancólicos, antropomórficos e impressionantes, que parecem saídos de um filme de Tim Burton.

Veja mais:
http://bit.ly/aixuqe
http://www.mikestilkey.com/

Louise Bourgeois morreu aos 98 anos

2010-06-22T08:33:00.004-03:00

LONDRES (Reuters) - A escultora norte-americana nascida na França, Louise Bourgeois, uma das artistas mais influentes do mundo contemporâneo, morreu na segunda-feira em Manhattan, onde vivia, informou o jornal New York Times. Ela tinha 98 anos. Segundo Wendy Williams, diretora administrativa do ateliê Louise Bourgeois, a artista morreu de ataque cardíaco, informou o jornal.

O trabalho de Bourgeois com materiais diversos, desde madeira até aço ou pedra, tendia a girar em torno da forma humana, embora algumas de suas peças mais reconhecíveis fossem esculturas gigantes de aranhas, algumas com três andares de altura. A galeria Tate Modern, de Londres, adquiriu uma de suas esculturas gigantes de aranhas, intitulada "Maman" (Mamãe), que mede mais de nove metros de altura e foi executada em 1999.

Uma versão de bronze de "Maman," descrita por Bourgeois como "uma ode a minha mãe," começou a ser exposta do lado de fora da galeria em 2007. A artista dizia que uma de suas principais inspirações era sua infância, na França, onde ela conviveu com sua mãe amorosa mas se sentia insegura devido às infidelidades conjugais de seu pai, entre outras com sua professora particular. Seu trabalho de 1974 "A Destruição do Pai" foi visto como interpretação de uma fantasia infantil em que uma figura paterna é posta sobre uma mesa, onde é desmembrada e comida por outros membros da família.

Bourgeois mudou-se para Nova York em 1938, depois de se casar com um historiador de arte norte-americano, e sua reputação foi crescendo aos poucos. Mas foi apenas nas décadas de 1980 e 1990, quando ganhou uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna e representou os Estados Unidos na Bienal de Veneza, que ela começou a ser vista como influência maior.

(Por Mike Collett-White)

Fonte:
http://oglobo.globo.com/cultura/mat/2010/06/01/escultura-louise-bourgeois-morre-aos-98-anos-diz-jornal-916752557.asp

José Rufino

2010-06-22T08:33:00.002-03:00

José Rufino nasceu José Augusto. A escolha do nome de seu avô como identidade artística está diretamente ligada a seu interesse pela história das coisas, lugares e pessoas que cruzam o seu caminho, e que alimentam seu impulso criativo. A ele interessam os fragmentos de vivências e sentimentos que impregnam objetos do cotidiano, outrora manuseados por pessoas já perdidas no tempo. Utiliza materiais relacionados à história de sua família, como documentos, cartas, escrivaninhas, cadeiras que aparecem em suas instalações, objetos e desenhos. Todo um repertório afetivo está presente em sua obra. O campo da arte torna-se um lugar para resignificações de toda uma narrativa pessoal e familiar.

No final da década de 1970, freqüenta os cursos de extensão da Coordenação de Extensão - Coex, na Universidade Federal da Paraíba - UFPB. Inicia sua produção artística na década de 1980. Em 1983, muda-se para Recife onde tem contato com artistas e poetas relacionados à arte postal e poesia visual, entre eles Paulo Bruscky (1949). Gradua-se em geologia na Universidade Federal de Pernambuco - UFPE. Recebe o primeiro prêmio no Concurso do Cartaz da Semana da Biblioteca, realizado no Recife, em 1988. Esteve na 6ª Bienal de Havana, 1997. Integrou o 25º Panorama da Arte Brasileira, no MAM/SP, 1997.

Em uma década e meia de atividade intensa, José Rufino desenvolveu uma das mais inventivas trajetórias da produção brasileira contemporânea, fazendo da memória individual (de outros ou sua) uma passagem para a rememoração coletiva. Ao longo de toda a infância, o artista passou longas temporadas no engenho do avô paterno, no município de Areia, Paraíba. Apropriando-se, já adulto, do nome e dos guardados de seu ascendente, por vários anos desenvolveu trabalhos em que lidava com o universo escriturário e sentimental no qual seu avô vivera e exercera o poder dos donos. Documentos, cartas, livros, cadeiras, escrivaninhas, carimbos, velhas máquinas de datilografar: tudo virava suporte para a criação de objetos, instalações e desenhos. O que era história privada e antiga tornava-se, com seu gesto, obra pública e recente.

Hoje prescinde dos rastros materiais de sua memória afetiva para transitar entre tempos distintos. Interferindo em documentos que registram negócios passados de lugares diversos (portos, ferrovias, repartições públicas), José Rufino tem evocado o cotidiano emaranhado em que viveram aqueles que os manusearam e tem aproximado, num processo de universalização de suas lembranças de origem, o interior da Paraíba a parte qualquer do mundo. Além de vários tempos, são também espaços distantes que se roçam nas construções do artista.

Exposição Silentio em Viana

José Rufino realiza a operação de deslocar tempos e sentidos. Se recupera lembranças há muito afastadas do embate com o mundo, as encobre, em parte ao menos, com as marcas de pigmento escuro; se desvela significados não partilhados por muitos, no mesmo instante os esconde ou muda. Inscrito nessa indecisão aparente, há o desejo de construir situações que reclamem o que é recalcado ou pouco levado em conta pela historiografia culta. Expondo testemunhos por anos condenados à invisibilidade social. Ele não se detém apenas na articulação original de textos antes indisponíveis à consulta; faz da própria atuação sobre a materialidade frágil desses escritos elemento indispensável para ativar, no âmbito do enunciado artístico, o sentimento comunal de ausência que embutem.

Fontes:
Arte e Patrimônio

Sombras chinesas como lixo

2010-06-18T12:46:00.000-03:00

Sem dúvida que as Sombras Chinesas são uma bela arte... e se utilizassemos o lixo que todos os dias encontramos num contentor perto de nós, para fazer essa arte... Esquisito, mas é verdade... e porque a imaginação do ser humano não tem limites... Tim Noble e Sue Webster resolveram efectuar trabalhos peculiares e dignos de elogio utilizando como principal matéria prima, o lixo.

Com materiais comuns tirados das ruas de Londres compõem amontoados que, vistos isoladamente, poderiam localizar-se num qualquer aterro sanitário, mas que iluminados com uma fonte de iluminação estratégicamente colocada projectam sombras que impressionam pelo seu realismo e detalhe.

Estas duas últimas imagens são da obra do Japonês Shigeo Fukuda, recentemente falecido, e que foi um dos primeiros criadores que cultivaram esta surpreendente forma de arte (a sombra da mota do barco foi totalmente elaborada utilizando garfos, facas e colheres).

O poder da imagem na política

2010-04-20T08:46:00.000-03:00

Como os políticos usam a imagem em seu favor em suas campanhas políticas. Este vídeo que fala sobre o poder da imagem em: Como os políticos usam as imagens para nos persuadir, quando nem sequer os conhecemos?

Fonte: http://www.youtube.com/watch?v=Z0ka3A5uSVI

Jogo de luz e sombra Posted

2010-03-26T12:29:00.002-03:00

Adorei esse trabalho! A artista, Kumi Yamashita, usa o jogo de luz/sombra para dar formas diferentes, usando materiais variados.

Disponível em : http://www.insoonia.com/arte-com-sombras-por-kumi-yamashita/

2010-03-26T12:28:00.004-03:00

PALAVRA PINTADA - UMA EXPOSIÇÃO DE VICENTE VITORIANO

Nea quinta-feira, dia 18 de março, 19 horas, Vicente Vitoriano abriu sua exposição Palavra Pintada, na Galeria Conviv'art, Campus Central da UFRN.

Takeshi Kitano - Arte Contemporânea Menos 'Esnobe'

2010-03-26T12:28:00.001-03:00

Em Paris, Takeshi Kitano revela seus sonhos e ri da arte "esnobe"

Um dos grandes mestres do cinema asiático, o japonês Takeshi Kitano - que começou a pintar depois de um grave acidente de moto -, revela seus sonhos e seu mundo lúdico em uma exposição na Fundação Cartier de Paris, dedicada à arte contemporânea.

Com máquinas fantásticas, objetos insólitos e irreverentes, pinturas e vídeos, esta mostra, que abre as portas ao público nesta quarta-feira, é a primeira da Europa a revelar o cineasta de 63 anos como um artista plástico.

"Quero dar outra visão da arte contemporânea, mostrá-la com uma face menos complicada, mais divertida, menos esnobe", explicou Kitano em entrevista coletiva na Fundação Cartier. "Quero, sobretudo, fazer rir crianças e adultos", acrescentou o artista japonês, condecorado nesta terça-feira com a medalha das Artes e Letras da França.

"Kitano é um mago, um humorista, um artista multifacetado", destacou o diretor da Fundação Cartier, Heré Chandès. "Mas até agora, na Europa, só é conhecido por seu cinema".

"Foi por isso que, há cinco anos, tivemos a ideia de organizar uma exposição que revelasse Kitano como um artista visual", disse o encarregado deste centro de arte contemporânea.

Conhecido também sob o nome de Beat Takeshi e famoso em seu país, não só pelos trabalhos como ator e cineasta - que lhe renderam prêmios em festivais internacionais de cinema, como o de Veneza -, mas também por seus divertidos programas de televisão, Kitano revela na exposição seu lado lúdico, nostálgico, da infância.

"Eu sempre mantive algo de menino. É assim que sou feliz", disse. "E esta exposição é para divertir crianças e adultos", acrescentou o artista, lembrando que foi após o acidente de moto que decidiu dedicar mais tempo à pintura, à poesia e à matemática, uma de suas grandes paixões.

Perguntado, durante a coletiva, sobre os artistas que influenciaram sua pintura, Kitano disse, com seu humor habitual, que a maior influência tinha sido do pai, que gostava de usar pincéis grossos.

Talvez por este motivo, o título da exposição, aberta até 12 de setembro, seja "Gosse de Peintre" (Filho de Pintor).

Ao mesmo tempo em que a Fundação Cartier apresenta o Kitano pintor, o Centro Pompidou dedica a ele uma retrospectiva de seus filmes. Além disso, acaba de ser publicada na França uma autobiografia intitulada "Kitano por Kitano", escrita a quatro mãos com o jornalista francês Michel Temman.

Além disso, seu filme, "Aquiles e a Tartaruga" (2008), sequência de "Takeshi's" (2005) e "Glória ao Cineasta!" (2007), que conta a vida de um artista incompreendido, frustrado e infeliz, estreia nesta quarta-feira nas salas de cinema francesas.

Mas esta trilogia dedicada ao "suicídio artístico" não parece refletir Kitano, que não deixou de rir e se divertir durante a coletiva.

Disponível em : http://cinema.uol.com.br/ultnot/afp/2010/03/09/em-paris-takeshi-kitano-revela-seus-sonhos-e-ri-da-arte-esnobe.jhtm#

ARTE COM ELETRÔNICOS

2010-03-26T10:36:00.002-03:00

Gente, encontrei no BBc Brasil e batizei de "Eletronicamente criativa" a idéia desse casal ao retratar cenas cenas com os materiais que consideramos inservíveis. Gostei. (Lm)

Um casal de britânicos se dedica a criar cenas com bonecos feitos com baterias, pilhas e partes de computadores e depois fotografá-las.

Lenny e Meriel Lenfesteys, que vivem na Ilha de Guernsey, ao sul da Grã-Bretanha, começaram a trabalhar juntos nos bonecos há alguns anos.

Por causa do tamanho dos personagens, com aproximadamente entre 3 cm e 4 cm cada, eles precisam de várias horas para montar uma cena.

O trabalho pode ser visto no site Flickr.

Fonte: BBC Brasil

ARTE "ARMAZENANDO DADOS"

2010-03-26T10:35:00.002-03:00

O artista plático britânico Nick Gentry descobriu um novo uso para antigos objetos para armazenamento de dados, como disquetes, fitas de vídeo e fitas cassetes.

Em suas telas, Gentry usa esses objetos para construir faces imaginárias e identidades que podem ter ligação com informações pessoais armazenadas nos disquetes.

"Como criança que cresceu nos anos 80 e 90, esta combinação (de artefatos para o armazenamento de dados) desempenhou um grande papel no que eu aprendi sobre o mundo", diz Gentry.

Matéria completa em: BBC Brasil

Besteira

2010-02-05T08:13:00.000-02:00

Fenômeno

2009-12-16T20:16:00.001-02:00

Sobre criatividade

2009-12-16T09:03:00.004-02:00

Me convidaram para uma entrevista. Quem quiser conferir, é só clicar aqui.

Intervenção urbana

2009-12-03T07:23:00.003-02:00

O artista Oliver Bishop Young recicla objetos de maneira bem diferente em seu projeto: Skip Coversions. Aquelas caçambas de entulho que vemos nas ruas, foram transformadas por ele em piscina, salas, rampa de skate...

Sempre quis fazer algo com elas, mas nunca achei algo interessante. Parece que alguém achou.

Fonte: http://weburbanist.com/2009/09/26/recycle-your-dumpster-awesome-urban-art-adaptive-reuse/

Cubo

2009-11-22T08:30:00.001-02:00

As horas ou reminiscências do tempo - Aquarela e café

Croqui - Anilina e café

Face do tempo - Anilina e café

Onde está o Marcos?

2009-11-22T08:22:00.002-02:00

Fim de período. Matérias e trabalhos atrasados. Quase acabando. Aula de desenho foi bacana. Brincamos de cubismo. Aula de fotografia acabou, só sobrou os trabalhos e aulas atrasadas de Nilzão, o trabalho final de Didática e Prática.. Férias? Nah.

Já já posto trabalhos de desenho.

Playmobil vira tema de exposição no Rio

2009-11-10T17:40:00.000-02:00

O pessoal do Fórum Playmobil Brasil está promovendo, entre os dias 7 e 22 de novembro, uma exposição inédita no país, Playmobil - 35 Anos, O Sucesso de um Sorriso, em que comemora-se o aniversário da criação dos brinquedinhos de plástico que marcaram a infância de muitas gerações. O evento acontece no Museu Militar Conde de Linhares, na capital carioca.

A mostra será dividida em diferentes segmentos: Exposição Histórica e Memorabília, onde será exibido uma linha do tempo da história do Playmobil, desde o surgimento da empresa alemã Geobra Brandstätter GmbH & Co. KG, até a criação do brinquedo, passando pelas diversas fases de evolução do projeto e desenvolvimento de linhas; Exposição de Coleções e Dioramas, onde serão mostrados alguns cenários clássicos de diversas linhas, como Western, Medieval, Piratas, Espacial, Vida Moderna, Era Vitoriana, Circo, etc; o Salão PlaymoArte, que introduzirá ao cenário nacional a arte contemporânea que traz o Playmobil como temática, seja na forma de fotografia, pintura, escultura ou instalações.

Além das exibições, o evento abrigará ainda o 1º Encontro Nacional de Colecionadores e Fãs, que estão se unindo através do Fórum Playmobil Brasil. Acontece também o "Lanchinho", uma confraternização bimestral de membros da comunidade, e o "Tapetinho", onde as crianças poderão brincar e ter contato com o Playmobil sob a orientação de monitores voluntários.

Exposição Playmobil - 35 Anos, O Sucesso de um Sorriso

Onde: Museu Militar Conde de Linhares (Avenida Pedro II, 383, em frente à Quinta da Boa Vista, Zona Norte), Rio de Janeiro.

Quando: de 7 a 22 de novembro de 2009, de terça a domingo, das 10h às 17h, inclusive feriados.

Quanto: R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia entrada).

+ info:

www.playmobil35anos.com.br

2009-11-08T19:43:00.000-02:00

Dom Piaaano diz:
minha agulha quebrou!!!
na exclamação?
Jorge diz:
agulha de q? c ta injetando agora?° ze droguinha!

Pois é. Me chingaram de °ze droguinha!

Isso ali deu origem ao meu mais novo nick e À chacota de amigos. Pois é. Me chingaram de °ze droguinha! Não podia passar batido, vamos encarar os fatos.

Eulâmpio expõe "Pathos das Dores e das Loucuras"

2009-11-06T07:42:00.000-02:00

O artista plástico pernambucano Eulâmpio expõe na Pinacoteca da Universidade Federal da Paraíba (UFPB), o título da exposição é "Pathos das dores e das loucuras". Exibe Figuras de cerâmica que representam o homem transfigurado pela dor e pela angústia da loucura.

A obra de Eulâmpio traz a tona a realidade de um homem ancestral tomado pela luta cotidiana entre o ego e o alterego. Luta esta promotora de sensações como a dor, a angústia e o medo. Tricotomia de sensações que convida o homem a pensar sobre a sua vida e seus sentimentos.

Eulâmpio é pernambucano e formado em medicina veterinária pela UFPB onde ministra aulas de Anatomia Veterinária como professor auxiliar no Campus de Patos. É mestre em Anatomia Veterinária pela Universidade de São Paulo (USP) e Doutor em Ciências Naturais (Anatomia de Vertebrados) pela Universidade de Tuebingen, na Alemanha.

As visitas são realizadas no horário das 8h às 21h, na Pinacoteca da UFPB (terceiro piso da Biblioteca Central) e o encerramento da mostra está previsto para o dia 10 de novembro. Informações: 3247-8415.

Ainda não entendi o motivo, mas recentemente esculturas desse tipo, assim como o Surrealismo, têm me atraído muito. Heh.

Bonecos(as) e estranhamentos

2009-11-06T07:40:00.000-02:00

Por que adoramos nos ver, em espelhos, fotografias, vídeos etc.? Adoramos representações realistas, muitas vezes rejeitando a arte que não se enquadra nas exatidões que nosso herança cultural renascentista impõe, mas nos incomoda nos ver representados por bonecos (as), quando estas não estão posicionadas em 'pose de miss'?!

Será que o que realmente incomoda é a representação ou a posição? Ainda estou refletindo a este respeito, mas deixo aqui a dúvida para ser compartilhada com vocês.

Encontrei essas duas esculturas que causaram polêmica, recentemente.
Espero que gostem e que, juntos, cheguemos a maiores conclusões.
Para melhor visualização, clique nas fotos que conseguirão maior qualidade e possibilidade de análises.

"Your Body", do artista chinês Xiang Jing, que será leiloda pala casa Sotheby?s, em Hong Kong. Especialistas estimam que a escultura pode ser arrematada por até US$ 231 mil (02/10/2009)

Disponível em: http://entretenimento.uol.com.br/album/ap_apm_280909_album.jhtm?abrefoto=12#fotoNav=13

Uma boneca de madeira com quase 8 metros de altura caminha no meio de uma multidão em Berlim, na Alemanha. Essa é uma das duas marionetes gigantes que fazem parte de uma performance de massa para comemorar a reunificação da Alemanha. AP Photo/Franka Bruns

Disponível em : http://entretenimento.uol.com.br/album/ap_apm_280909_album.jhtm?abrefoto=12#fotoNav=12

2009-11-01T16:49:00.002-02:00

Pintou uma ideia, mas..
Estou seco.

Arte com balões

2009-11-01T15:34:00.001-02:00

O artista Jason Hackenwerth cria diversas esculturas feitas de balões, são criaturas maritímas que demoram cerca de 8 horas para ficarem prontas e o artista está sempre expondo em várias galerias de arte.Para conferir mais dos seus trabalhos basta visitar o site do artista : http://www.jasonhackenwerth.com/

Esculturas em madeira

2009-11-01T15:25:00.000-02:00

Estas esculturas em madeira são do artista italiano Gehard Demetz. Atualmente ele vive e trabalha no Val Gardena. Achei seu trabalho muito expressivo e real, fiquei bastante curioso em ver como estes trabalhos são criados, pois percebe-se uma profunda habilidade com este tipo de material.

Se quiserem conferir mais imagens das esculturas do artista é só seguir o link: http://beautifuldecay.com/2009/09/29/gehard-demetz/

Desenhando com agulha e linha

2009-11-01T15:09:00.000-02:00

Com agulha, linha e tecidos a designer espanhola Paula Sanz Caballero cria personagens estilosos que geralmente ironizam o mundo fashion. Ela borda cada cena e depois fotografa, sempre com um toque de bom-humor e criatividade.

Paula se formou em Belas Artes, depois decidiu passar o traço bem-treinado para o tecido e criou uma linguagem única e tão bacana que foi parar em galerias de arte da Europa e dos EUA.

Saiu!

2009-10-30T15:55:00.001-02:00

Saiu a terceira edição do Suplemento Literário Seo João, produzido por mestrandos de Literatura da Unimontes. Cada edição conta com a intervenção de um artista, e essa terceira contou com a minha.

Podem conferir aqui.